01.10. – 04.10.2026 F.I.M. Festival Improvisierter Musik, Frankfurt

Einmal im Jahr präsentiert das Forum Improvisierter Musik Musiker*innen der nationalen und internationalen Improvisationsszene an diversen Spielorten in Frankfurt. Neben den Konzerten gehören zum Festivalprogramm auch Tanz, Workshops und Filme. Ein besonderer Fokus liegt in diesem Jahr auf der Trompete: Die diesjährige Preisträgerin des Deutschen Jazzpreises Lina Allemano (Foto: Manuel Miethe) spielt solo in der Nikolaikirche und mit der Formation SOG in der Brotfabrik. Außerdem dabei sind die Akkordeonistin Tizia Zimmermann, Els Vandeweyer am Vibraphon, Saxophonistin Camila Nebbia, Cellistin Lucy Railton, Carme López am Dudelsack, Marta Warelis am Piano und die elektronische Musikerin Anushka Chkheizde. Infos

02.10. – 04.10.2026 PENG Festival, Essen

Initiiert von 4 Sängerinnen gründete sich das PENG Festival, um „FLINTA* Personen zu fördern, die noch immer, trotz der großen Fortschritte der Gleichberechtigung im Jazz, unterrepräsentiert sind.“ Dass ihr Konzept funktioniert, zeigt sich nicht zuletzt an der Auszeichnung zum Festival des Jahres 2025 vom Deutschen Jazzpreis. Während Freitag & Samstag tolle Künstler*innen auf der Bühne des Maschinenhauses stehen, gibt es am Sonntag traditionell ein Workshop- und Kinderprogramm. Der Workshop mit dem Thema „Muster von Machtmissbrauch in Kunst & Kultur erkennen“ wird von Sara Hassan geleitet. Das für Kinder kostenfreie Kinderkonzert wird von den beiden Bands Larifari und Collective One gestaltet. Mit Ruji, SVM3, Zola Mennenöh, Fabiana Striffler & Aki Takase (Foto), der Carla Köllner Big Band und So Sorry. Infos

02.10. – 07.11.2026 Enjoy Jazz, Heidelberg, Mannheim & Ludwigshafen

Zum 28. Mal findet das Festival in der Rhein-Neckar-Region statt, welches, getreu des Festivalnamens, die Freude am Jazz zum Motto hat. Hier geht es um den Musikgenuss statt Quantität, daher findet meist nur ein Konzert pro Abend und pro Stadt statt. Bei der Künstlerauswahl wird neben Stars der Szene stets auch ein Augenmerk auf Innovation und Experimentierfreude gelegt. Das (bereits ausverkaufte) Eröffnungskonzert spielt Souad Massi, weiter geht’s mit Emilia Roig, Carme López (Foto: Eva Pombo) und Camila Nebbia. Und auch das weitere Programm kann sich sehen lassen: Jlin, Savina Yannatou, Elena Pinderhughes, Loreen Sima feat. Jakob Bänsch, Lena Boßmann, Lakecia Benjamin, Julie Sassoon Quartet, Tania Giannouli & Nik Bärtsch, Delphine Joussein, Elina Duni & Rob Luft, Tomoki Sanders, Jamie Baum Quartet & Anke Helfrich Trio, Elshan Ghasimi & Joss Turnbull, Emma Rawicz, Lizz Wright, Olga Reznichenko, Melody Gardot undSamara Joy! Infos

03.10. – 04.10.2026 Kindermusikfestival, Bielefeld

Neben Konzerten nur für Schulen im Zeitraum vom 2.-9. Oktober, bietet das Kindermusikfestival in Bielefeld am 3. und 4.10. auch zwei öffentliche Shows an. Und da geht es ganz besonders zu, denn die gebuchten Acts spielen nicht nacheinander, sondern stehen als „Festival“ Band gemeinsam auf der Bühne: so entstehen besondere Bandversionen der Kinderhits aller beteiligten Bands! Auf das Publikum wartet ein abwechslungsreiches Programm mit viel Action. Mit dabei sind neben der veranstaltenden Band RANDALE, die Kinderliedermacherin Suli Puschban (Foto: Anja Mey), Nica Neulich, Eichhorn und der lila Hund und Mathi – der Kinderliedermacher. 3.10. Bielefeld | 4.10. Melle

09.10.2026 Internationaler Mädchen und MINTA*Tag 2026, Frankfurt

„Be who you want to be, not what others want to see“ – so lautet in diesem Jahr das Motto unter dem Mädchen, inter*, nicht-binäre, trans* und agender Jugendliche (MINTA*) gemeinsam auf die Straße gehen und sich für ihr Recht auf ein sicheres, selbstbestimmtes Leben ohne Gewalt und Diskriminierung, für freie Meinungsäußerung und Mitbestimmung einsetzen. Gestartet wird um 13:00 Uhr am Roßmarkt mit einer Kundgebung, Bühnenprogramm mit Musik, Tanz und Reden, dann geht es weiter mit dem „Walk of G!rls and MINTA*“ zum Jugendhaus Heideplatz, wo tolle Workshops angeboten werden – u.a. Tonaufnahmen, Graffiti, Film und Tanz. Das Ganze endet mit einer gemeinsamen Party (Plakat: Talk of G!RLS and MINTA* in Zusammenarbeit mit Denisa Holzapfel). Infos

09.10.2026 Jazz in den Ministergärten, Berlin

Der Abend mit Musiker*innen aus 7 verschiedenen Bundesländern findet bereits zum 23. Mal vor der besonderen Kulisse der Ministergärten in Berlin statt. Aus Hessen präsentiert sich Julie Kuhl, aus Brandenburg Mieke Miami und aus Meck-Pom das Saxophon Quartett „Stadtwind“ mit Birgitta Flick, Linda Gerull und Juliana Kohl (Foto). Mit dabei ist auch Caro Trischler mit Trio, die Ende Oktober einen Songwriting Workshop bei uns gibt! Infos

09.10. – 07.11.2026 Göttinger Jazzfestival, Göttingen

Das Göttinger Jazzfestival kann nun schon auf stolze 48 Jahre Festivalgeschichte zurückblicken, was es zum ältesten Jazzfestival in Niedersachsen macht. Von klassischen Strömungen bis Avantgarde wird im bewusst offen und vielfältig gehaltenen Programm alles angeboten – auch Amateur- und Schüler-Gruppen sowie (semi-) professionell arbeitenden Lokalmusiker*innen wird eine Bühne geboten: z.B. tritt die 17-jährige Altsaxophonistin Eli Klemke mit ihrem Quartett auf (Foto). Mit im Programm sind auch: Simin Tander, CarlSong, das Marialy Pacheco Trio und das Emma Rawicz Sextet. Infos

10.10. – 11.10.2026 People Festival, Berlin

Das PEOPLE Festival besitzt ein absolutes Alleinstellungsmerkmal in der Musikwelt, weil es das klassische Konzept eines Festivals komplett auf den Kopf stellt. Anstelle von festen Line-ups, Hit-Performances und kommerziellem Sponsoring basiert es zu 100 % auf kollaborativer künstlerischer Freiheit. Gegründet von Musikern wie Justin Vernon (Bon Iver), den Brüdern Aaron und Bryce Dessner (The National) sowie den Betreibern des Berliner Michelberger Hotels, findet das originale Musik-Event im historischen Funkhaus Berlin statt. Dem öffentlich zugänglichen Festivalwochenende geht eine Labor-Woche voraus, bei der sich 180 Künstler*innen aus aller Welt in wechselnden Besetzungen in Studios zusammensetzen und kreativ werden. Das Resultat dieser Woche, exklusive Kollaborationen und Kreationen, wird dann auf den Bühnen präsentiert – dabei treten große Namen ohne Hierarchie neben Newcomern auf, einen Timetable gibt es vorher nicht. Ein einmaliges Erlebnis im Zeichen des gemeinsamen Musizierens. Infos

13.10. – 17.10.2026 Deutsches Jazzfestival, Frankfurt

Das Deutsche Jazzfestival Frankfurt lädt zu fünf Tagen zeitgenössischem Jazz von internationalem Rang ein. Im hr-Sendesaal werden am 15.10. die Vibrafonistin Sasha Berliner (Foto) und Pianistin Myra Melford zu hören sein, außerdem die Flötistin Naïssam Jalal gemeinsam mit dem Septett Shake Stew. Weiter geht es bei der Clubnacht am 16.10. in der Romanfabrik mit Komponistin und Saxofonistin Sarah Chaksad mit ihrem Sextett, während u.a. Witch ‘n‘ Monk im Club Voltaire spielen. Zurück im hr-Sendesaal machen Saxofonistin Emma Rawicz und Sängerin Norma Winstone den Abschluss. Infos

21.10. – 25.10.2026 Multiphonics Festival, Köln

Das Festivalprogramm wird dieses Mal von zwei Ensembles aus unserem Netzwerk umrahmt: während das Multiphonics Festival regulär im Alten Pfandhaus stattfindet, wird der Eröffnungsabend mit dem Beyond The Roots LARGE ENSEMBLE in der Alten Feuerwache ausgerichtet. Den Abschluss macht das ensemble FisFüz mit dem Programm Mozart im Morgenland oder: Die Entführten aus dem Serail. Außerdem dabei sind das Sheen Trio (Foto: Liudmila Jeremies) bestehend aus Shabnam Parvaresh, Ula Martyn-Ellis & Philipp Buck und Pianistin Sylvie Courvoisier. Infos

28.10. – 28.11.2026 Jazztage, Dortmund

In Dortmund gehen die Jazztage bereits zum 33. Mal an den Start. Das vierwöchige Programm richtet seinen Fokus auf aktuellen Jazz in all seinen Facetten – von regionalen bis internationalen Acts ist alles dabei. Das Programm wird erst nach und nach veröffentlicht, bereits bestätigt sind Céline Rudolph & Florian Weber und das Kira Linn Tentet für den Eröffnungsabend. Ebenfalls auf der Bühne des domicils: das Patricia Brennan Septet, Julie Campiche (Foto: Dominique Schreckling), Filippa Gojo & Stephan Mattner, Fallen Crooner, das Marialy Pacheco Trio und Ingrid Laubrock’s Grammy Season. Infos

29.10. – 01.11.2026 Libanon Festival, Hamburg

Experimenteller Rock trifft auf arabische Poesie, der traditionelle Dabke-Tanz auf die größten Stimmen des Landes: Für ein Wochenende zeigt das Festival in der Elbphilharmonie die lebendige und vielseitige Kultur des Libanon, die auch während des Kriegs aufrecht bleibt. Die Band Sanam präsentiert einen Mix aus Balladen, experimentellen Krautrock-Einflüsse und arabischer Poesie, Farah Kaddour (Foto) spielt die Langhalslaute Buzuq, Rayess Bek & Joan Baz liefern eine audiovisuelle Performance orientalischer Dabke-Musik, mit Sängerin Abeer Nehme präsentiert sich eine der bedeutendsten Künstlerinnen des Libanon und Singer-Songwriterin Tania Saleh, prägende Stimme der arabischen Indie-Szene, beschließt mit ihrer Band dieses spannende Programm. Infos

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Wie kamst Du auf die Idee zum neuen Programm „Bubikopf-Dämmerung“?

Ich habe schon immer – neben meiner Liebe zum Jazz – eine Affinität zu den alten deutschen Schlagern der 1920er bis 40er Jahre gehabt, in Antiquariaten gestöbert und im Laufe der Zeit viele Noten gesammelt, unter anderem auch wegen der liebevoll gestalteten Notentitelblätter.

Im Jahr 2002 hatte ich schon einmal ein musikhistorisches Chortheater mit den Dissonanten Tanten inszeniert, das betraf den Zeitraum von 1925-1945 und hieß „Gute Laune – oder was?“. In den jetzigen 20er Jahren bot sich der Retro-Blick 100 Jahre zurück auf die Schlager der Weimarer Republik an, also auf die Zeit der 1920er Jahre, genauer – von 1919-1932.

Was hat es mit dem Titel auf sich?

Die Wortschöpfung selbst stammt aus einem Zitat in einem Friseurmagazin der 1920er Jahre, das habe ich in dem Buch „Der Bubikopf“ von Helga Lüdtke gefunden. Dies Buch und viele andere über die Weimarer Republik, die populäre Musik dieser Zeit und den Aufbruch der Frauen waren wichtige Wegbegleiter im Verlaufe des Projekts.

Der Bubikopf steht als Symbol für die weibliche Emanzipation in den 20ern, die Dämmerung für den Niedergang nicht nur dieser Frisur, sondern auch der Weimarer Republik, als nämlich „Schluss mit lustig“ war und aus dem zu oft verklärten „goldenen Aufbruch“ der 1920er Jahre ein „brauner Abbruch“ wurde. Auch viele weibliche Freiheiten verloren dann wieder an Bedeutung. Das Wort Bubikopf-Dämmerung passte natürlich auch gut als Programmtitel für einen Frauenchor.

Und – wie hat dein Frauenchor SingJorinas auf das Projektthema reagiert?

Der Chor sollte über zwei Themen abstimmen, dabei gewann die Bubikopf-Dämmerung eindeutig das Rennen, damals hieß der Arbeitstitel noch „Die Zwanziger“:  Die Sängerinnen waren begeistert, motiviert und sind in der Folgezeit in Gesang und Engagement zur Hochform aufgelaufen.

Natürlich haben wir auch immer wieder diskutiert und reflektiert, meist über Texte und Themen der Schlager. Auch der Verein „Sound of Praunheim“ hat das Projekt tatkräftig unterstützt, angefangen bei Förderantrag und Werbung bis hin zu finanzieller und organisatorischer Unterstützung und der Durchführung des Konzerts. Für diese „Rückendeckung“ bin ich sehr dankbar, denn ohne die Hilfe des Vereins wäre das Projekt in dieser Größenordnung nicht möglich gewesen.

Was fasziniert Dich an dieser Epoche bzw. der Musik der 1920er Jahre?

Zunächst interessiert mich als Jazzmusikerin natürlich die Verbindung der deutschen Schlager zum Jazz. Dieser schwappte vom großen Teich herüber, war neu, aufregend, befeuerte die Tanztees und belebte Bars und Nachtlokale. Jazz und Tanz waren quasi gleichbedeutend und die Menschen waren verrückt danach. Shimmy und Charleston konnten gut in Dixieland münden, Foxtrot und One-Step eigneten sich gut als „Swing-Fox“, und ein Titel konnte schon mal „Jazzfieber“ heißen. Viele amerikanische Jazzstandards bekamen deutsche Texte – wie z. B. George Gershwins „Lady be Good“ mit „Was will denn bloß der Otto von dir?“ betitelt wurde. Später in den 1930er Jahren war dieses Kaschieren der Originalquellen wichtig, um die Jazzmusik an den Nazis vorbei zu manövrieren. 

In der populären Musikkultur der Weimarer Republik spielten neben Komponisten und Textern auch Jazzpianisten eine große Rolle, zwei der wichtigsten waren Friedrich Hollaender – der auch Schlager, Revuen und Chansons schrieb – und Mischa Spoliansky. Deshalb auch die Entscheidung, den renommierten Jazzpianisten Dirk Raufeisen für das Projekt zu engagieren.

Eine weitere Faszination ist der leichte, auch naive Humor in den Schlagern, oft auch frivol oder frech – mit unerwarteten Wendungen in der Handlung. Sicherlich nicht 1:1 übertragbar auf heute, aber dennoch ein Dokument von Ausgelassenheit und einem Sinn für Witz und Komik.

Siehst Du Parallelen zwischen den 1920er Jahren und unserer heutigen Zeit?

Auf jeden Fall gibt es Parallelen im gesellschaftlichen und politischen Bereich wie z. B. die zunehmende Zersplitterung der Parteien, der wachsende Kontrast zwischen Arm und Reich, Arbeitslosigkeit, Unzufriedenheit, soziale Not, gesellschaftliche Ungerechtigkeiten und das Erstarken einer rechtsextremistischen Partei, die Liste ist lang. Die Kontraste zwischen den verschiedenen Welten („Blasen“), die nebeneinander existieren, sind heute genauso vorhanden, in Bezug auf die Weimarer Zeit werden sie mit zahlreichen Gegensatzpaaren charakterisiert wie „Rausch und Ruin“, „Glanz und Grauen“, „Hoffnung und Hölle“ usw. 

Wie sah die Vorarbeit aus und wie hast Du die Lieder ausgewählt? Sind darunter auch Songs, die von Frauen geschrieben wurden?

Am Anfang musste ich ein tragfähiges Konzept erarbeiten, das bedeutete, Literatur und Noten zu sichten und sehr viel zu recherchieren. Die Auswahl der Schlager sollte nicht streng chronologisch sein, sondern nach Themen sortiert. Dadurch würde es automatisch eine Beschränkung geben. Das Thema war aber vorrangig die Geschichte der Schlager selbst, das heißt, die Lieder sollten zunächst ihre eigene Geschichte erzählen. Doch natürlich sind sie das Abbild von Stimmungen und Gefühlen in der Gesellschaft, in der sie entstehen. Somit verschränkt sich alles miteinander. Zum Konzept gehören auch sorgfältig gewählte Ansagen von Schriftsteller*innen, Journalisten, Lyriker*innen, Auszüge aus Zeitungen sowie die Projektion von passenden Bildern auf eine Leinwand als Kommentar oder Ergänzung zu den einzelnen Liedern. Das Ganze verschmilzt dann zusammen mit passenden Choreografien als „Multimedia-Show“ zu einem chorischen Gesamtkunstwerk.

Erwähnenswert ist noch, dass es für viele Schlager im Zuge der Retro-Bewegung zwar schon Arrangements gibt, oft aber leider nicht für Frauenstimmen, bzw. nicht für die Lieder, die ich gerade brauche. Also habe ich alles selbst geschrieben, was auch den Vorteil hat, dass ich Schwierigkeitsgrad, Charakter, Länge und genaue Stimmbesetzung für das Lied genau steuern konnte.

Zur Frage nach Komponistinnen kann ich sagen, dass es wenige Frauen gab, die sich explizit dem Schlager widmeten. Wenn, waren es meist Texterinnen, weniger Komponistinnen. Aber es gab sie und sie schrieben oft unter einem Pseudonym (wie z. B. Hilde Loewe als Henry Love). Dies zu dokumentieren, wäre ein eigenes Programm wert. Im aktuellen Chorprojekt kommen eher Interpretinnen und Diven zu Wort oder Ton wie Margo Lion, Marlene Dietrich oder Claire Waldoff, die auch als Texterin in Erscheinung trat. In den Ansagen werden übrigens auch noch Frauen zitiert wie die Lyrikerinnen Frieda Mehler und Mascha Kaleko.

Worauf darf sich das Publikum freuen? Vielleicht kannst Du uns schon ein bisschen was verraten…

So kurz vor der Premiere kann ich gerne einiges verraten: Inhaltlich sind die beiden Programmteile sehr unterschiedlich und symbolisieren den Blick auf eine zerrissene gespaltene Gesellschaft:

Während im ersten Teil das naiv-fröhliche Lebensgefühl während eines imaginären Vergnügungs-Wochenendes in Berlin und Frankfurt beschrieben wird, werden im zweiten Teil Themen zu Technik, Bauen, Mode und Frisur, Tempo und Gesellschaft besungen. Dieser Teil ist eher reflektierend und „ernster“ als der erste, hier ist die Vorahnung des erstarkenden Nationalsozialismus zu spüren.

Trotzdem darf in diesem Programm natürlich gelacht werden: Deutliche Jazz-Anleihen ertönen beim Lied vom Vater Zille mit „Walking Bass“, der Bubikopf erlaubt sich eine Prise Swing, ein Hollaender-Klassiker erscheint als Reggae, die „Loreley“ gönnt sich ein paar Jazzakkorde und die Oma fährt auf dem Motorrad einen atemberaubenden Boogie-Woogie. Kurze und lange Beine werden ausgiebig besungen und ein verlorengegangener unverzollter Käse erscheint plötzlich wieder auf der Tafel einer dinierenden Gesellschaft…

Liebe Viola, vielen Dank für diesen Einblick und viel Spaß mit dem tollen Projekt!

Termine:
12.9. SingJorinas, Chortheater „Bubikopf-Dämmerung“, PREMIERE
Bürgerhaus Bornheim, Arnsburger Straße 24, 60385 Frankfurt, 20 Uhr

13.9. SingJorinas, Chortheater „Bubikopf-Dämmerung“
Bürgerhaus Bornheim, Arnsburger Straße 24, 60385 Frankfurt, 19 Uhr

Tickets: Vorverkauf 15 € | Abendkasse 17 € | ermäßigt 10 € (Schüler*innen/Studierende/ Rentner*innen), Ticketbestellung per Mail 

Infos Viola Engelbrecht |  Infos

Fotos: Viola Engelbrecht

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Impovisation ist alles: Kreative Strategien unter prekären Bedingungen

Unsere Interviews zeigen, dass die Erfahrungen rund um Schwangerschaft, Geburt und Elternzeit stark von sozialen und finanziellen Faktoren abhängig sind. Die meisten Interviewten arbeiten als freischaffende Musikerinnen ohne festes Einkommen, eine längere Babypause können sich daher viele nicht leisten. Wer zu lange nicht präsent ist, „ist schnell weg vom Fenster“. Deshalb stehen viele bis kurz vor der Geburt auf der Bühne – und bald danach wieder, wenn auch häufig nur für kürzere Touren oder Konzerte in der näheren Umgebung.

Für manche ist es auch ein inneres Bedürfnis, weiterzuarbeiten. „Die Arbeit erfüllt und inspiriert mich zu sehr“, sagt die Musikerin und Schauspielerin Magdalena Ganter. Die Jazzsängerin Elsa Johanna Mohr beschreibt, dass sie neben dem Muttersein „auch noch sie selbst sein“ und ihre Projekte nicht komplett niederlegen wollte, nachdem sie so viel Zeit in den Aufbau investiert hatte.

Eine „richtige“ Auszeit ist auch deshalb nur schwer möglich, weil viele Musikerinnen* sich selbst promoten: „Das Netzwerk & die Community wollen lebendig gehalten, die Socialmedia-Kanäle bespielt werden. Die Followerzahlen sind die neue Währung und für Veranstaltende häufig dafür ausschlaggebend, ob sie einen Act buchen oder nicht. Diese Tatsache setzt mich immer wieder unter Druck und erzeugt innerlichen Stress“, beschreibt es Ganter eindrücklich.

Das Jonglieren der verschiedenen Aufgaben ist anstrengend. Die Gitarristin Johanna Eicker erzählt: „Die Konzerte habe ich teilweise mit Family dabei oder mit abgepumpter Milch durchgezogen. Das ging an die Substanz, aber es war möglich.“ Elsa Johanna Mohr kam körperlich an ihre Grenzen: „Mein Körper hat mir jetzt mit einem leichtem Bandscheibenvorfall vor einem Monat gezeigt, dass ich ihm seit der Geburt zu viel zugemutet habe… Equipment schleppen, Baby tragen, Projekte am Laufen halten, viel Orgakram am Laptop und wenig bis gar keine Zeit für mich selbst und für Sport“.

Vielen fällt es schwer, Zeit für das kreative Arbeiten abzuzwacken: „Arbeitsblöcke am späten Abend oder Songwriting in der Nacht, wenn ich nicht schlafen kann, sind mit dem Mama-Sein dazugekommen. Und der Kaffekonsum ist ordentlich gestiegen“, berichtet Julie Pascale. FEE erzählt, dass sie dabei sei „zu lernen, wie es ist, kreativ zu arbeiten, Songs zu schreiben, ohne dass einen gerade die Muse küsst. Nämlich in den Zeitfenstern, in denen ich mein Kind gerade nicht um mich habe“. 

Doch die Selbstständigkeit bietet auch Vorteile: flexible Zeiteinteilung, kreative Freiheit und mehr gemeinsame Zeit mit dem Kind. Nicole Johänntgen schwärmt: „Für mich hilft Musik, insbesondere die Improvisation, im Alltag flexibel zu bleiben. Ich verbringe viel Zeit mit meinem Kind, aber auch mit meiner Musik. Ich mag es sehr!“ Jarita Freydank schätzt die vielen verschiedenen Möglichkeiten, mit Musik den eigenen Lebensunterhalt zu verdienen. „Da ich neben dem Theater alle Projekte selbst anleite und meine Zeit frei gestalten kann, passt sich mein Berufsleben gut an die Bedürfnisse meiner Tochter an. Und ganz nebenbei bekommt sie ihre eigene musikalische Früherziehung – und trifft durch meinen Beruf viele spannende Menschen. Man muss nicht zwangsläufig auf der Bühne stehen, um Musikerin zu sein“. 

Schwankende Einkommen machen Mutterschafts- und Elterngeld unberechenbar. Die starren gesetzlichen Regelungen benachteiligen Selbstständige, die kurz vor der Geburt geringere Einnahmen hatten, weil sich das Elterngeld nach dem Gewinn des letzten Kalenderjahres bemisst. Deshalb sei es wünschenswert, flexiblere und praxisnähere Regelungen bei der Einkommensberechnung einzuführen und den bürokratischen Aufwand zu reduzieren, sagt die Unternehmensberaterin Jutta Frimmel. „Vor allem aber braucht es mehr Transparenz. Viele Selbstständige erfahren erst sehr spät, welche Gestaltungsmöglichkeiten sie überhaupt haben“. Deshalb sei es wichtig, sich frühzeitig mit dem eigenen Versicherungsstatus auseinanderzusetzen, sagt sie: „Ob gesetzlich versichert, über die KSK abgesichert oder privat versichert: Die Voraussetzungen und Leistungen unterscheiden sich teilweise deutlich. Deshalb lohnt es sich, den eigenen Versicherungsschutz rechtzeitig zu prüfen und sich frühzeitig beraten zu lassen“. 

Auch Julie Pascale bemängelt die Regelungen beim Elterngeld. Sie findet es „schwierig, während des Elterngeldbezugs Konzerte zu spielen, ohne dass man Rückzahlungen leisten müsste oder praktisch umsonst arbeitet, weil man in dieser Zeit nur begrenzt Einkommen erzielen darf. Gleichzeitig ist es existenziell, dass wir Musikerinnen unser Netzwerk und unsere Kontakte auch in dieser Zeit aufrechterhalten. Es ist ein Teufelskreis. Hier bräuchte es dringend spezielle Sonderregelungen, die die Realität selbstständiger Künstlerinnen widerspiegeln“, fordert sie.

Viele Musikerinnen überbrücken die „Auszeit“ mit Förderungen, Crowdfunding, angesparten Rücklagen, einer klugen Releaseplanung oder Nebenjobs. Trotz guter Planung bleiben aber viele unsichere Komponenten. „Es ist ein ständiges trial and error“, sagt Magdalena Ganter. Krankheiten, Betreuungslücken oder Komplikationen bei der Geburt können alles über den Haufen werfen. „Da ich die erste Geburt schlecht weggesteckt habe, brauchte ich schlichtweg die Zeit zur Regeneration – die physischen als auch die mentalen Narben mussten erstmal heilen. Ich betrachte es als Luxus, dass ich mir das rausgenommen habe“, sagt die Singer-/Songwriterin Ella Fall. 

Touren mit Kind: zwischen Offenheit und Abwehr

Es gibt viele positive Beispiele: Veranstalter*innen, die Doppelzimmer für Familien zahlen, Babysitter*innen organisieren, Bedürfnisse von schwangeren Musikerinnen mitdenken oder „Kinderbackstage“-Räume einrichten. Doch mancherorts sind Kinder nach wie vor unerwünscht – selbst backstage. Ella Fall musste ein Konzert absagen, weil sie ihr Kind (trotz Babysitter) nicht mitbringen durfte. Auch Johanna Eicker hat diese Erfahrung auf großen bekannten Pop-/Rock-Festivals gemacht. „Es fühlt sich immer noch so an, als sei man die seltene Ausnahme“, sagt Eicker.

Viele Interviewten setzen sich daher für mehr Sichtbarkeit von Musiker*innen mit Kindern ein, denn Vorbilder spielen eine große Rolle. Alin Coen berichtet, dass sie durch ihre Kollegin Dota ermutigt wurde: „Wenn ich bei anderen sehe, dass etwas machbar ist, kann ich mir das leichter vorstellen.“ Eine besonders schöne Erfahrung machte Julie Pascale bei einem Konzert im Rahmen der Mom’s Got Talent Academy – einem Coaching-Programm vom Music Family Hub Berlin für Musikerinnen mit Kindern, an dem sie sechs Monate teilnehmen durfte. Das Konzert war bewusst als Familienkonzert konzipiert und die gesamte Infrastruktur war auf Familien mit Kindern ausgerichtet. Auch die Musikerinnen können aktiv werden: Jarita Freydank bewirbt ihre Musik „immer als familienfreundlich, deshalb finden meine Auftritte grundsätzlich nicht am Abend statt“.

Kinderbetreuung: Es braucht ein ganzes Dorf, um ein Kind zu erziehen

Alle Interviews zeigen: Flexible, verlässliche Kinderbetreuung ist der Dreh- und Angelpunkt. Viele sind auf Großeltern, Partner*innen oder Freund*innen angewiesen. Bei meist zu geringen Gagen lohnt es sich finanziell nicht, Konzerte zu spielen und dafür Babysitter zu bezahlen. Bei Sophie Trost passen deshalb der Opa oder die Nachbarin unentgeltlich auf ihre Kinder auf. Alleinerziehende wie Cäthe geraten schnell an Grenzen: „Ich habe alles versucht, um in der Selbstständigkeit zu bleiben… Am Ende musste ich Hartz IV beantragen.“ Manchmal hilft auch die beste Planung nichts: „Schwierig wird es, wenn man ständig selber krank ist oder ein krankes Kind zuhause hat. Denn Konzerte oder Studiosessions abzusagen ist natürlich mit viel Kosten, Koordination und Frust verbunden,“  erzählt FEE.

Johanna Eicker teilt sich mit ihrem Partner, der ebenfalls Musiker ist, zu gleichen Teilen Haushalt, Kinderbetreuung und Erziehung. „Das ist leider auch heute nicht selbstverständlich und letztendlich DER Schlüssel, um den Alltag und den Beruf als Musikerin mit Kind verhältnismäßig entspannt stemmen zu können“. Auch bei Sophie Trost funktioniert der Alltag nur deshalb so gut, weil der Vater ihrer Kinder als Papa und im Haushalt sehr engagiert ist und als Perkussionist in ihrer Band am selben Strang zieht. Nur wenn Männer mehr „weiblich“ konnotierte Bereiche übernähmen, könnten Frauen mehr in „männlich“ konnotierten Berufen Fuß fassen, sagt sie.

Ungleichheiten & gesellschaftliche Erwartungen

Immer wieder wird deutlich, dass Mütter härter bewertet werden als Väter. Magdalena Ganter fragt: „Und was ist mit den Vätern? Generell kommt es mir so vor, als gingen Männer noch immer wesentlich selbstverständlicher weiter ihrer Arbeit nach, sobald Kinder an Bord sind. Oder zumindest wird es ihnen gesellschaftlich nicht vorgeworfen, wenn sie das tun.“ Claudia Rudy kommentierte in den sozialen Medien ein Interview so: „Wenn man sich Dokus oder Beiträge großer weiblicher Legenden wie Marlene Dietrich oder Nina Simone anschaut, dann wird leider auch ganz oft thematisiert: Sie war eine Ikone, aber als Mutter hat sie versagt. Mich fucked das richtig ab. Bei den männlichen Stars wird nie erwähnt: Er war ein herausragender Künstler, aber als Vater eigentlich nicht präsent. Aber bei den weiblichen Stars schon.“

Lösungsvorschläge

Viele Interviewten wünschen sich mehr Wertschätzung, Verständnis und Solidarität, aber auch ganz konkrete Unterstützung für Eltern: „Ich würde mir wünschen, dass mehr Menschen solidarisch mit Eltern sind und die „Extra-Mile“ gehen, um Dinge für Familien, Beruf und Freundschaften möglich zu machen. Kinder haben ist nicht nur Privatsache, finde ich“, sagt Johanna Amelie. Auch Johanna Eicker wünscht sich, „dass wir als Gesellschaft mehr zusammenhalten und das Thema ‚wie schafft man diesen Spagat‘ nicht nur in Mami-Whatsapp-Gruppen stattfindet“.

Helfen würde auch eine bessere, flexible und bezahlbare Kinderbetreuung, sagt z.B. die Poduzentin Jenny Gerdts, um späte Studio- & Recordingzeiten abdecken zu können. Alin Coen fände es hilfreich, wenn Veranstalter*innen ein Netzwerk von Babysitter*innen hätten, mit dem sie unterstützen könnten. Die Promoterin Änne Wetzel plädiert für eine organisierte Kinderbetreuung auf Festivals und Konferenzen. Ein weiterer Vorschlag war, dass die Erstattung von Betreuungskosten wie bei der Künstler*innenförderung der Initiative Musik Standard bei allen Förderprogrammen werden sollte.

Jarita Freydank spricht sich dafür aus, dass Musiker*innen ihre Kinder zu Proben, Arbeitstreffen und Engagements mitbringen können: „Das würde der Musikszene guttun, weil sich dann alle automatisch ein bisschen bewusster und respektvoller verhalten“. Johanna Amelie, die u.a. als Produzentin & Kuratorin des Podcasts „Mom’s Got Talent“ das Thema Mutterschaft in die Popmusik trägt, tritt dafür ein, dass mehr Konzerte nachmittags – also für Familien – veranstaltet werden.

Dringend sollte die überfällige Reform von Mutterschafts- und Elterngeld für Selbstständige angegangen werden, um der Realität von Profimusiker*innen gerecht zu werden. Mindestgagen und eine bessere Absicherung für Alleinerziehende sind weitere Vorschläge für eine bessere Vereinbarkeit von Familie und Beruf.

Tipps aus der Praxis: Der Rat der Expertinnen

Viele Interviewte beschreiben, dass sie viel strukturierter, organisierter und effizienter seien, seit sie Kinder haben, weil sie viel mehr Disziplin aufbringen müssten, um alles unter einen Hut zu bekommen. Gleichzeitig sei es schwer, dabei die eigenen Bedürfnisse nicht zu vergessen. Als „Gelingensfaktoren“ wurden geregelter Schlaf, gute Ernährung, Sport, Ruhepausen zwischen den Konzertblöcken, eine klare Grenze zwischen Arbeit und Privatleben, Zeit für sich, eine gute Kommunikation innerhalb der Familie und viel Austausch mit Gleichgesinnten von den Interviewten genannt.

Elsa Johanna Mohr rät dazu, Dinge auch mal abzugeben und nicht selbst alles kontrollieren zu wollen. Jo Eicker hat gelernt, dass es wichtig ist, sich selbst nicht automatisch hintenanzustellen und schon früh um Hilfe zu bitten – „nicht erst dann, wenn auch psychisch nichts mehr geht“.  Aber auch der Mut zum Unperfekten kam zur Sprache. FEE rät dazu, nicht so viel Druck auszuüben. Es sei normal, sich unvollkommen zu fühlen: „Bleibt bei euch, denn euer Kind ist ja Teil eurer Welt und nicht Teil einer perfekten Welt“.

Johanna Amelie empfiehlt, auch Partner wie Label, Verlag, Booking, Veranstaltende und Bandkolleg*innen sowie Förderinstitutionen um Unterstützung zu fragen: „Oft gibt es doch überraschend vieles, was möglich gemacht werden kann, z.B. können Kinderbetreuungskosten bei der Initiative Musik abgerechnet werden, und das Musicboard hat jetzt eine Residency nur für Musiker*innen, die Eltern sind, ins Leben gerufen“.

Ella Fall hatte sich anfangs viel Stress gemacht, dass sie allem gleichzeitig gerecht werden muss. Mittlerweile empfindet sie es als Luxus, die Zeit mit ihren Kindern verbringen zu dürfen. „Diese Zeit, wenn die Kinder klein sind, kommt nicht wieder. (…) wieder mehr Zeit auf Bühnen zu verbringen, kommt sicherlich wieder – und man ist nicht ‚gescheitert‘, wenn man ein paar Jahre andere Prioritäten setzt.“

Wir danken allen Interviewpartnerinnen*, dass sie ihre Erfahrungen & Tipps mit uns geteilt haben! 

Fotos: Titelbild & Fotos aus den Backstage Mom Interviews

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2023 berichtete die Tagesschau, dass bei Rock am Ring “deutlich mehr“ Musikerinnen auftreten würden als zuvor. Dies umfasse 21 von 72 Acts des Festivals und entspräche knapp 30% des Line-Ups¹. Das ist zwar noch lange nicht die Hälfte, aber wenigstens ein Anfang. Trotz allem stellt sich die Frage, wie sich diese Zahl verändert hätte, wenn man nur die FLINTA* Artists und Bands mit FLINTA* Frontperson betrachtet. Außerdem wäre es interessant zu wissen, wie die gemischtgeschlechtlichen Bands zusammengesetzt waren und wie ausgeglichen das Verhältnis dort wirklich war.

Die Festival-Hochsaison begann ungefähr im Juni. Somit scheint es jetzt ein guter Zeitpunkt zu sein, sich diesen Fragen zu widmen. Für diese Recherche habe ich fünf bekanntere deutsche Festivals ausgesucht und ihre diesjährigen Line-up-Poster ausgewertet. Ziel war es, zu schauen, wie viele FLINTA* Acts dort vertreten sind.

Datengrundlage und Herangehensweise

Die Festivalplakate stammen von den offiziellen Instagram-Accounts oder Webseiten der Festivals, Stand: 19.05.2026. Die Artists wurden in fünf Kategorien aufgeteilt: männlich gelesen, FLINTA*, gemischt, gemischt mit männlich gelesener Frontperson und gemischt mit FLINTA* Frontperson.

Zusatz: Die Bezeichnung „männlich gelesen“ wurde gewählt, da nicht für jede Person die Selbstidentifikation recherchiert werden konnte. Sie beschreibt hier eine Einordnung nach Wahrnehmung bzw. Zuschreibung von außen. FLINTA* wird in diesem Text als Sammelbegriff für nicht-cis-männlich gelesene Personen verwendet. Die Kategorien sind damit bewusst vereinfacht und können sich überschneiden. Ziel der Einteilung ist es, strukturelle Ungleichheitsverhältnisse sichtbar zu machen und sie kann individuelle Identitäten nicht trennscharf abbilden.

Bei Bands/Gruppen mit mehreren Mitgliedern habe ich auf die Lead-Vocalists geachtet, da diese in der öffentlichen Wahrnehmung und auf der Bühne meist am stärksten hervortreten. Die Kategorie “gemischt” bezieht sich auf Kollektive und Bands/Gruppen ohne klar erkennbare Frontperson. Die Besetzungen wurden anhand von Fotos auf den Festival-Webseiten, den Instagramseiten der Künstler*innen oder aktuellen YouTube-Videos von Auftritten bestimmt.

Für die Auswertung habe ich die fünf Einzelkategorien am Ende zu zwei Oberkategorien zusammengefasst: männlich gelesen und FLINTA*. Zur männlich gelesenen Gruppe zählen männlich gelesene Acts sowie Acts mit männlicher Frontperson. Zur FLINTA* Gruppe zählen FLINTA* Acts, Acts mit FLINTA* Frontperson sowie die Kategorie “gemischt”.

Des Weiteren gilt es anzumerken, dass auf dem Splash!-Festivalplakat zwei Acts mit “[Name] and friends” angegeben werden. Da ich nicht herausfinden konnte, wer genau zu den “friends” dazugehört, habe ich sie anhand der Person, deren Name zuerst genannt wird, kategorisiert. Zudem wurden keine Podcasts miteinbezogen.

Auswertung der Line-ups

Als Erstes habe ich mir angeschaut, wie sich die Line-Ups der einzelnen Festivals jeweils zusammensetzen. Am schlechtesten schneidet hierbei Rock am Ring mit einer Quote von 15,07% FLINTA* Acts ab, gefolgt vom Splash! Festival mit einer Quote von 18,52%. Etwas besser sieht es beim Deichbrand mit 30,69% und dem Hurricane Festival mit 30,95% aus – sie teilen sich sozusagen den zweiten Platz. Mit Abstand am besten schneidet das Lollapalooza Berlin mit einem ausgeglichenen 50/50 Line-Up ab. Hierbei ist allerdings auch anzumerken, dass das Festival mit 40 Spots das kleinste Line-Up der fünf hat. Ergänzend zum Artikel findet sich auf Instagram eine visuelle Analyse der Festivalplakate und ihrer Line-ups.

Würde man nun aus allen untersuchten Festivals ein großes Line-up erstellen, sähe das ungefähr so aus: 352 Acts, davon 98 FLINTA*, mit FLINTA* Frontperson oder gemischt ohne erkennbare Frontperson. Das entspräche einem Anteil von ungefähr 27,84%, also etwas weniger als einem Drittel. Die genauere Zusammensetzung in der folgenden Grafik:

Zusammensetzungen gemischter Bands

Wie zu Beginn des Reports gesagt, bin ich bei der Kategorisierung der gemischten Bands/Gruppen auf ein kleines Problem gestoßen. Mir erschien es nicht sinnvoll, nur solche zu berücksichtigen, die vollständig aus FLINTA* Personen bestehen. Deshalb habe ich mich für den Bühnenpräsenz- bzw. Sichtbarkeitsfaktor entschieden. An dieser Stelle gilt es anzumerken, dass es nicht das Ziel ist, Instrumentalist*innen unsichtbar zu machen oder als weniger wichtig darzustellen. Die Einordnung dient lediglich der Analyse.

Während der Recherche fiel auf, dass es fast keine gemischten Bands mit einem männlich gelesenen Leadsänger gibt. In den meisten Fällen übernimmt eine FLINTA* Person diese Position. Zudem scheinen trotzdem meist männlich gelesene Personen in der Überzahl zu sein. Aus diesem Grund habe ich mir die Zusammensetzung aller gemischten Acts genauer angeschaut: Insgesamt sind das 31 Acts, jedoch konnten nur 28 davon anhand einer festen Besetzung analysiert werden. Zählt man ihre Mitglieder, kommt man auf 76 männlich gelesene Personen und 37 FLINTA* Personen. Das entspricht etwa einem Verhältnis von 2:1. Prozentual machen die FLINTA* Personen somit ungefähr 32,74% der Besetzungen aus und sind davon in ca. 61,29% der Bands in der Lead-Vocalist-Position. Es lässt sich also erkennen, dass auch die gemischten Bands weniger ausgeglichen besetzt sind, als es vielleicht auf den ersten Blick wirkt. Zudem zeigt sich das verbreitete Muster, dass FLINTA* Personen vor allem als Sänger*innen sichtbar sind.

Headliner*innen

Zuletzt soll der Fokus auf die Positionen der jeweiligen Artists auf den Line-up Plakaten gelegt werden. Meist werden die Namen der Headliner*innen ganz oben und größer als die der anderen Künstler*innen abgebildet. Ich habe hier noch eine Unterscheidung zwischen Headliner*innen und Sub-Headliner*innen getroffen. Das betrifft jene Artists, die zwar unter den Headliner*innen, jedoch trotzdem größer als die restlichen Acts aufgeführt werden.

Auch hier sind die Zahlen bezeichnend: Alle Festivals haben zusammen 38 Headline- sowie 64 Sub-Headline-Spots. Von ersteren werden 8 FLINTA* Personen besetzt und von zweiteren 10. Das entspricht etwa einem Anteil von 21,05% und 15,63% und zeigt dementsprechend, dass FLINTA* Personen in den “höherrangigen” Positionen im Line-Up noch weniger vertreten sind als sowieso schon.

Alles in allem kann man nun erkennen: FLINTA* Personen machen zwar fast ein Drittel der Line-ups aus, jedoch ist das einerseits immer noch ziemlich wenig und andererseits unterscheidet sich dieser Anteil allein innerhalb der untersuchten fünf Festivals stark. Natürlich berührt diese Recherche nur einen Bruchteil deutscher Festivals und es ist sicherlich lohnenswert, sich auch kleine Festivals und die Unterschiede innerhalb verschiedener Genres anzuschauen. Gerade größere oder bekanntere Festivals bieten Künstler*innen jedoch viel Sichtbarkeit und die Chance, Hörer*innen dazuzugewinnen. Auffällig ist, dass insbesondere dort der Anteil an FLINTA* Acts noch geringer scheint. Dabei könnte ein ausgeglicheneres Booking Festivals nicht nur ausgewogener machen, sondern ihnen zudem eine Chance bieten, sich zu positionieren und ein Zeichen zu setzen.

Was hat sich bereits verändert?

Weiterhin bleibt die Frage offen, inwiefern sich die Zusammensetzungen von Festival Line-Ups bereits verändert haben. Eine Studie der MaLisa Stiftung, in Kooperation mit der GEMA und Music S Women* aus dem Jahr 2022 analysiert Geschlechterverhältnisse auf 15 verschiedenen Festivalbühnen in den Jahren 2010, 2015, 2019 und 2022. Sie kommen zu dem Ergebnis, dass der durchschnittliche Frauenanteil innerhalb des Zeitraums unter 10% liegt. Betrachtet man die Jahre einzeln, wird deutlich, dass trotz dieser niedrigen Zahl eine Steigerung von 7% auf ca. 16% im Jahr 2022 zu verzeichnen ist².

Auch die Keychange-Studie aus dem Jahr 2024 zeigt, dass im Vergleich zum Jahr 2021 zwar mehr Personen denken, dass der Frauenanteil auf Konzertbühnen gestiegen ist, dieser sich jedoch weiterhin im unteren Bereich bewegt. Auf 9 von 15 Festivalbühnen stehen immer noch über 70% Männer³.

Beide Studien verweisen zudem darauf, dass sich kleinere Festivals in Sachen Geschlechterverhältnisse besser schlagen als die größeren: Die MaLisa Stiftung stellt auf den kleineren Festivals einen Frauenanteil bis 29% fest und einen durchschnittlichen Anstieg von 8% auf 17% (2010-2022). Keychange errechnet einen Anstieg des Frauenanteils von 8% auf 28% (2010-2023), dahingegen liegen die Zahlen der großen Festivals bei einem Anstieg von 6% auf 15%.

Insgesamt bestätigt sich damit: Je größer das Festival, desto stärker hält sich der hohe Männeranteil. Die MaLisa-Stiftung weist zudem darauf hin, dass ein höherer Anteil elektronischer Musik mit einem höheren Frauenanteil zusammenhängt, während ein höherer Anteil an Instrumentalist*innen eher mit einem niedrigeren Frauenanteil korreliert. Das passt auch zu meiner Analyse gemischter Bands.

Um abschließend die Frage zu beantworten, ob deutsche Festivals weiterhin männlich dominiert sind, kann man sagen: Ja. Der Anteil an FLINTA Künstler*innen ist zwar seit 2010 angestiegen, ausgeglichen sind die Geschlechterverhältnisse jedoch noch lange nicht. Gerade große Festivals scheinen sich schwer damit zu tun. Daraus ergeben sich weitere Fragen: Warum ist das so und was kann getan werden? Auf diese möchte ich in den kommenden Wochen im zweiten Teil dieses Reports eingehen.

Quellen

1 SWR, Ute Spangenberger (2023): „Musikfestivals: Mehr Frauen auf der Bühne“. tagesschau.de.  https://www.tagesschau.de/inland/gesellschaft/musik-festivals-frauen-100.html.

2 MaLisa Stiftung (2022): „Studie zur Geschlechtergerechtigkeit in der Musikbranche: Charts, Werke und Festivalbühnen“. malisastiftung.org.  https://www.malisastiftung.org/studien/gender-in-music-charts-werke-und-festivalbhnen.

3 Keychange (2024): “Keychange 2024 – Study on gender diversity in the German music market”. keychange.eu. https://www.keychange.eu/s/Study-results_Keychange_2024_EN.pdf

Titelfoto: Colin Lloyd

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Heute ist sie selbstständig in der betriebswirtschaftlichen Beratung, Buchhaltung und Elterngeldberatung tätig. Als Mutter verbindet sie strukturiertes Denken mit einem guten Verständnis für unterschiedliche Lebensrealitäten. Ihr Fokus liegt auf praxisnahen Lösungen und der verständlichen Aufbereitung komplexer Themen. 

Du betreibst seit 2018 die Unternehmensberatung JF Beratung mit Fokus auf Selbstständige und Künstler*innen. Neben betriebswirtschaftlicher Beratung und Buchhaltung steht auch die Beratung zur Familiengründung für Künstler*innen im Fokus. Wie kam es dazu?

Ich habe immer wieder erlebt, dass gerade Selbstständige und freischaffende Künstler*innen bei Themen wie Mutterschutz, Elterngeld oder Elternzeit mit komplexen Regelungen konfrontiert sind. Daraus ist bei mir der Wunsch entstanden, verständliche Informationen und praxisnahe Unterstützung anzubieten.

Du bietest Beratung bei allen aufkommenden Fragen rund um Mutterschafts- und Elterngeld sowie dessen Beantragung an. Darüber hinaus bietest Du regelmäßig Workshops für Selbstständige und Künstler*innen an, aktuell unter anderem in Kooperation mit PRO MUSIK. Wo besteht aus Deiner Sicht der größte Aufklärungsbedarf und welche Fragen werden Dir am häufigsten gestellt?
 
Besonders viele Fragen kommen von Selbstständigen mit schwankenden Einkommen oder mehreren Einkommensquellen. Oft geht es darum, ob überhaupt ein Anspruch besteht und wie Mutterschafts- oder Elterngeld berechnet werden. Beim Mutterschaftsgeld herrscht häufig Unsicherheit darüber, welche Leistungen Selbstständigen zustehen und was während des Bezugs möglich ist.

Beim Elterngeld drehen sich viele Fragen um die Kombination von Familie und Erwerbstätigkeit: Wie wirkt sich Zuverdienst aus? Was ist der Unterschied zwischen BasisElterngeld und ElterngeldPlus? Und welche Aufteilung passt zur eigenen Situation? Die konkreten Antworten sind oft sehr individuell – deshalb ist der Aufklärungsbedarf hier besonders groß.

Viele freischaffende Künstler*innen bzw. Selbstständige wissen zu Beginn ihrer Karriere wahrscheinlich nicht, dass sie nicht dieselben Ansprüche wie Arbeitnehmer*innen haben. Worauf sollte ich bei der Familiengründung im Hinblick auf Mutterschaftsleistungen achten?
 
Der wichtigste Punkt ist, sich frühzeitig mit dem eigenen Versicherungsstatus auseinanderzusetzen. Gerade bei Selbstständigen entscheidet dieser darüber, welche Leistungen rund um die Mutterschutzfrist überhaupt möglich sind. Viele gehen zunächst davon aus, dass die Regelungen für Selbstständige und Angestellte ähnlich sind. Tatsächlich hängen Mutterschaftsleistungen aber stark davon ab, wie man krankenversichert ist.

Ob gesetzlich versichert, über die KSK abgesichert oder privat versichert: Die Voraussetzungen und Leistungen unterscheiden sich teilweise deutlich. Deshalb lohnt es sich, den eigenen Versicherungsschutz rechtzeitig zu prüfen und sich frühzeitig beraten zu lassen. In meinen Beratungen erlebe ich immer wieder, dass sich Betroffene erst während der Schwangerschaft mit diesem Thema beschäftigen. Dann sind manche Gestaltungsmöglichkeiten oder Tarifwechsel bereits nicht mehr möglich. Wer sich früh informiert, kann deutlich besser planen und unangenehme Überraschungen vermeiden.

Das Elterngeld wird bei Selbstständigen in der Regel auf Grundlage des letzten abgeschlossenen steuerlichen Veranlagungszeitraums berechnet – häufig also des letzten Kalenderjahres. Wenn man in diesem Zeitraum hohe Schwankungen oder wenig verdient hat, fällt das Elterngeld oft sehr gering aus. Hinzu kommt, dass manche Schwangere unter anhaltender Übelkeit oder vorzeitigen Wehen leiden und deswegen wenig bis gar nicht mehr arbeiten können. Welche Möglichkeiten kommen in so einem Fall infrage?
 
Viele Selbstständige wissen nicht, dass der Bemessungszeitraum für das Elterngeld in bestimmten Fällen verschoben werden kann. Das kommt beispielsweise bei schwangerschaftsbedingten Erkrankungen oder anderen gesetzlich geregelten Ausnahmesituationen infrage. Ob diese Möglichkeit besteht, hängt immer vom Einzelfall ab. Deshalb lohnt sich eine frühzeitige Prüfung, wenn das Einkommen im relevanten Zeitraum außergewöhnlich niedrig ausgefallen ist. Unabhängig davon gibt es beim Elterngeld einen gesetzlichen Mindestbetrag.

Viele kennen BasisElterngeld und ElterngeldPlus – welche Optionen gibt es darüber hinaus und wie entscheidet man, was wann sinnvoll ist?
 
Die wichtigste Entscheidung ist meist die zwischen BasisElterngeld und ElterngeldPlus. Vereinfacht gesagt, eignet sich das BasisElterngeld eher für Phasen ohne Erwerbstätigkeit, während ElterngeldPlus mehr Flexibilität bietet, wenn parallel gearbeitet werden soll. Darüber hinaus gibt es mit dem Partnerschaftsbonus zusätzliche Möglichkeiten für Eltern, die sich Betreuung und Erwerbstätigkeit partnerschaftlich aufteilen möchten. Gerade für Selbstständige kann außerdem interessant sein, dass der Elterngeldbezug unter bestimmten Voraussetzungen unterbrochen werden kann. Dadurch lassen sich unterschiedliche Einkommensphasen oft besser berücksichtigen.

Wie viel darf ich während des Elterngeldbezugs arbeiten und wie wird das auf das Elterngeld angerechnet?
 
Während des Elterngeldbezugs darf grundsätzlich weitergearbeitet werden – allerdings nur innerhalb bestimmter Grenzen. Aktuell liegt die zulässige Arbeitszeit bei durchschnittlich 32 Stunden pro Woche.

Wichtig ist außerdem, dass Einkommen während des Bezugs die Höhe des Elterngeldes beeinflussen kann. Deshalb lohnt es sich besonders für Selbstständige, die geplante Tätigkeit und die Wahl zwischen BasisElterngeld und ElterngeldPlus gut aufeinander abzustimmen. Wie stark sich das konkret auswirkt, hängt von der individuellen Einkommenssituation ab.

Gibt es Sonderregelungen für Alleinerziehende oder Eltern mit mehreren kleinen Kindern?
 
Ja, sowohl für Alleinerziehende als auch für Familien mit mehreren kleinen Kindern gibt es besondere Regelungen. Alleinerziehende können unter bestimmten Voraussetzungen die Elterngeldmonate allein ausschöpfen, die sonst auf zwei Elternteile verteilt werden. Das kann gerade in dieser Situation eine wichtige finanzielle Entlastung sein.

Für Familien mit mehreren kleinen Kindern gibt es zusätzliche Leistungen, etwa den Geschwisterbonus oder Zuschläge bei Mehrlingsgeburten. Viele Eltern wissen gar nicht, dass solche Zuschläge existieren oder automatisch geprüft werden sollten. Deshalb lohnt es sich, bei der Antragstellung genau hinzuschauen. 

Damit werden die besonderen Herausforderungen von Alleinerziehenden sowie Familien mit mehreren kleinen Kindern zumindest teilweise berücksichtigt.

Schon lange ist bekannt, dass die derzeit geltenden Regelungen zum Mutterschafts- und Elterngeld für Selbstständige besondere Herausforderungen mit sich bringen. Alles in allem: Was müsste Deiner Meinung nach verändert werden?
 
Aus meiner Sicht orientieren sich viele Regelungen noch zu stark an klassischen Angestelltenbiografien. Die Realität von Selbstständigen – gerade im Kulturbereich – sieht oft anders aus: Einkommen schwanken, Projekte verlaufen nicht nach Kalenderjahren und Investitionen können einzelne Jahre stark beeinflussen. Wünschenswert wären deshalb flexiblere und praxisnähere Regelungen bei der Einkommensberechnung sowie weniger bürokratischer Aufwand. Vor allem aber braucht es mehr Transparenz. Viele Selbstständige erfahren erst sehr spät, welche Gestaltungsmöglichkeiten sie überhaupt haben.

Wo kann man sich über aktuelle Workshops und Angebote informieren?

Auf dem Instagram-Kanal von JF Beratung findet ihr aktuelle Informationen zu Workshops und Angeboten. In den kommenden Wochen wird außerdem über PRO MUSIK ein Workshop für Mitglieder und Interessierte angeboten.

Vielen Dank, liebe Jutta, für dieses Gespräch!

Insta | Website 

Fotos von oben: Pexels/Book Hut, Pexels/Helena Lopes, Pexels/Jitin Arora

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Gendergerechtigkeit und Diversität in der Kulturszene sind in aller Munde, doch Veränderungen scheinen vor allem dort nicht in Sicht, wo es ans „Eingemachte“, an die Strukturen und die Verteilung öffentlicher Fördergelder geht. Der Frauen*anteil bei den Bigbands der ARD ist erschreckend gering, bei der NDR-Bigband (s. Foto) spielt als einzige Frau Sandra Hempel (Gitarre), beim WDR Karolina Strassmayer (Saxophon). Die SWR- sowie die hr-Bigband (s. Titelbild: Dirk Ostermeier) sind bis heute reine Männerensembles. Auch das Bundesjazzorchester führt in seiner aktuellen Besetzung neben sechs Sängerinnen lediglich eine Frau am Instrument, die Baritonsaxophonistin Charlotte Lang auf.

Ergebnisse der Umfrage

Es war zu erwarten: in der Jazzszene gibt es im Verhältnis zu den Männern wenig Frauen an den Instrumenten und nur die wenigsten scheinen sich überhaupt schon einmal bei einer Rundfunk-Bigband beworben zu haben. Dementsprechend spärlich war der Rücklauf auf unsere Umfrage; die Erfahrungen und Meinungen, die wir hier anonym wiedergeben, stammen von fünf Musikerinnen und drei Musikern. Die Aussagen sind gleichwohl wertvoll für die Diskussion des Problems, möglicherweise finden sich viele Musikerinnen* in diesen Aussagen wieder.

Gründe, warum sich die Musikerin NICHT auf die Stelle in einer Rundfunk-Bigband beworben hat:

• zu viel Verpflichtung,
• zu wenig Zeit für eigene Projekte,
• Job als Big Band Musiker*in trifft nicht das, was sie tun will,
• Anforderungen passen nicht zum eigenen Profil/Fähigkeiten,
• Job setzt viel Erfahrung in professionellen Big Bands voraus: „Man kann sich auf so eine Stelle nicht bewerben, ohne dass man in professionellen Big Bands vorab ausgeholfen hat. Auf dem Niveau kann man nur spielen, wenn man vorher schon die Chance hatte das zu tun. Das bedeutet, dass die Bigbands das auch selbst in der Hand haben, über die Subs, dies sie einladen, wenn einer der festen Spieler fehlt. Als Gäste müssen auch mehr Frauen eingeladen werden.“
• Unangenehme Atmosphäre in den Bands (Landesjazzorchester, Hochschul-Big Band, Bundesjazzorchester): „… ständig dumme Witze, Sexismus überall. Ich habe das damals nicht gemerkt, aber im Nachhinein empfinde ich das als unglaublich, was sich da Professoren und Dozenten geleistet haben, ohne dass irgendjemand mal etwas dazu gesagt hat.“
• Starkes Konkurrenzdenken/Wettbewerb: „der Druck ist sehr groß, alle sind mit ausgefahrenen Ellenbogen unterwegs. Das war mir einfach zuviel irgendwann. Ich mochte diese Art des Musikmachens nicht.“
• Man steht zu sehr unter Beobachtung: „Als einzige Frau steht man immer im Fokus und ist einem besonderen Druck ausgesetzt.“
• zu langweilig für mein Instrument (Schlagzeug).

Gründe, warum die Musikerin die Stelle nicht bekommen hat:

• die anderen Bewerber waren besser, die Konkurrenz war zu stark,
• Job ist höchst anspruchsvoll und sehr speziell, den nur sehr wenige Jazzmusiker*innen gut ausfüllen können: „Viele dieser Musiker kommen aus den Landesjugend-Bigbands und haben quasi ihre gesamte Jugend darauf verwendet, verteufelt gut Bigband zu spielen. Ich glaube: Wenn es mehr junge Frauen gäbe, die das genauso besessen betreiben würden, wie es einige junge Männer tun, gäbe es mehr Frauen in den Big Bands“.

Was müsste sich ändern?

• Big Bands sollten mehr Frauen* die Chance geben, als Sub oder Gastmusikerin zu spielen

Was ist zu tun?

So viel zu den O-Tönen unserer wirklich kleinen Umfrage. Dass sich so wenige Frauen* bei den Bigbands bewerben, liegt sicherlich zum einen daran, dass es im Vergleich zu den Männern wenige Instrumentalistinnen gibt. Noch dazu scheint der Job in einer Rundfunk-Big Band nicht zu dem zu passen, was sich Jazzmusikerinnen* für ihre musikalische Karriere vorstellen. An welchen Stellschrauben können wir drehen, wenn wir wirklich etwas verändern wollen?

Bewerbungsverfahren

Die Art des Bewerbungsverfahrens kann einer der Gründe sein, warum sich nur wenige Frauen* bewerben und letztendlich genommen werden. Wichtig ist es sicherlich, sich bewusst zu machen, dass bei der Personauswahl automatisch Stereotype wirken, auch wenn man(n) guten Willens ist. Wissenschaftlerinnen der TU München konstatieren in ihrer Handreichung zu gendergerechter Personalauswahl: „… Stereotype beeinflussen unsere Erwartungen wie Menschen sind, sein sollten und nicht sein dürfen, allein auf Basis der Zugehörigkeit zu bestimmten sozialen Gruppen. (…) Stereotype wirken auf allen Stufen der Karriereleiter: Bei der Erstellung und Wahrnehmung von Stellenausschreibungen, bei der Bewertung von schriftlichen Bewerbungsunterlagen, bei Bewerbungsgesprächen sowie bei Leistungsbeurteilungen und Beförderungsentscheidungen“. Bewerberinnen würden z.B. weniger kompetent eingeschätzt, wenn sich insgesamt nur wenige Frauen für die Stelle bewerben.

Die Ausstellung „Check Your Stereotypes“ der Eidgenössischen Technischen Hochschule Zürich im Rahmen einer Chancengleichheits-Kampagne verweist auf das Phänomen „Stereotype Threat“: Es beschreibt die Angst, ein bekanntes Stereotyp zu erfüllen, das der Gruppe zugeschrieben wird, der frau selbst angehört. Sie kann Ressourcen binden und zu Leistungseinbußen führen. Frauen erzielen, wenn sie im Vorfeld eines Mathetests darauf hingewiesen werden, dass es keinen Geschlechter-Unterschied bei Mathetests gäbe, nahezu die gleichen Testergebnisse wie die Männer. Wenn sie als Vorinformation auf einen Unterschied der Geschlechter hingewiesen werden, fallen ihre Leistungen deutlich schlechter aus.

Auf der anderen Seite kann ein sog. Geschlechtsbezogener Verzerrungseffekt („Gender Bias“) bewirken, das z.B. ein Lebenslauf unterschiedlich bewertet wird, je nachdem, ob er von einer Frau oder einem Mann stammt. Das kann Einfluss darauf nehmen, ob eine Person in einem Bewerbungsverfahren weiterkommt oder nicht. Das heißt, Stereotype können zweierlei bewirken: dass die Bigband/Auswahljury eine Bewerberin schärfer beäugt, und dass die Bewerberin ihre Leistung nicht abrufen kann.

In der Klassik hat deshalb das Vorspiel hinter dem Vorhang Einzug gehalten. Die Studie der Deutschen Jazzunion Gender.Macht.Musik hat 2016 Jazzmusiker*innen dazu befragt, welche Maßnahmen sie für sinnvoll erachten, um mehr Gleichberechtigung zu erreichen. 73% der Frauen und 59% der Männer sprachen sich darin für Blind Auditions bei der Besetzung von professionellen Ensembles wie Radioorchestern aus. Möglicherweise würden sich ja mehr Frauen* bewerben, wenn sie wüssten, dass das Vorspiel hinter dem Vorhang geschieht?

Karolina Strassmayer, die einzige Frau im WDR Bigband, macht sich in einem kurzen Interview für eine andere Vorgehensweise stark: in ihrer Bigband würden Kandidat*innen zu einer ein- oder zweiwöchigen Arbeitsphase eingeladen, damit man sich menschlich und musikalisch kennenlernen könne. Der von einer Teilnehmerin gemachte Vorschlag, Big Bands sollten mehr Frauen* die Chance geben, als Sub oder Gastmusikerin zu spielen, könnte auch dazu führen, dass sich mehr Frauen* bei einem Radioorchester bewerben. Und vielleicht kann es auch mehr als eine gleichzeitig sein? Das kürzlich gegründete Jazz Women Network kann bei der Suche nach Jazzmusikerinnen* sicher nützlich sein.

Übrigens: Immerhin 41% der in der Jazzstudie befragten Jazzmusikerinnen (und 18% der Männer) sprachen sich für Quotenregelungen bei der Besetzung von professionellen Ensembles wie Rundfunkorchestern aus. Wer Angst hat, dass eine Quote die Qualität schmälern könnte, könne beruhigt sein, heißt es in der Studie der Deutschen Jazzunion: „Dem Argument, dass Quotenregelungen im Jazz einen Einfluss auf die musikalisch-künstlerische Qualität haben, könnte man entgegenhalten, dass unter Berücksichtigung des Allgemeinen Gleichbehandlungsgesetzes (AGG) eine gleichwertige Qualifikation unbedingt vorausgesetzt wird, bevor Quotenregelungen in Kraft treten können“. Die oben erwähnte „Check Your Stereotypes“-Kampagne stellt fest, dass Frauenquoten dafür sorgten, dass Frauen selbstbewusster am Wettbewerb teilnehmen würden. Dort würden sich dann die besonders fähigen Frauen durchsetzen.

Gendergerechte und -sensible Nachwuchsförderung

Die Quote nützt nicht viel, wenn der Nachwuchs ausbleibt. Schaut man sich die Landesjugendjazzorchester an, das klassische Sprungbrett für kommende Bigband-Musiker*innen, so sieht es dort auch nicht viel besser aus. Nur wenige Instrumentalistinnen* – meist zwischen 2-4 – sind dort in den Bandbesetzungen zu finden. Ein wichtiger Ansatzpunkt ist sicherlich die Instrumentenwahl: die Erhebung „Amateurmusizieren in Deutschland“ des Musikinformationszentrums stellt fest, dass unter den 6-15jährigen musizierenden Kindern und Jugendlichen, die ein Instrument spielen, zwar gleich viele Jungs & Mädchen sind. Bei der Instrumentenwahl zeigen sich jedoch geschlechtsspezifische Unterschiede: Gitarren wie auch elektrische Gitarren, Schlaginstrumente und digitale Musik sind bei Jungen deutlich beliebter. Umgekehrt bevorzugen Mädchen bei den Instrumenten Klavier, Blockflöte, Violine oder Querflöte. Eventuell kommt das – neben dem Fehlen von weiblichen Role Models an den typischen Bandinstrumenten – auch daher, dass viele Mädchen* in der Regel früher mit dem Instrumentenspiel beginnen als die Jungs, und somit noch mehr unter dem Einfluss der Eltern stehen. Auch hier können wieder Stereotype die Auswahl beeinflussen („Schlagzeug ist zu laut, lern doch lieber Flöte“).

Mädchen* sollten also in der Wahl ihres Instruments gestärkt und nicht bevormundet werden. Musikschulen können mit offenen Angeboten („Instrumentenkarusselle“) den Mädchen* mehr Wahlmöglichkeiten bieten, damit sie nicht zwangsläufig in der Klassikecke „landen“ und steckenbleiben. „Vieles spricht dafür, dass eine frühe Festlegung auf das Spielen nach Noten Kindern das Lernen in diesem musikalischen Bereich [dem Lernen nach Gehör] erschwert. Besonders Mädchen werden häufig einseitig durch diese Form des Lernens geprägt, und zwar bereits früher als die Jungen, da sie durchschnittlich früher mit dem Instrumentalspiel beginnen“, stellt Ilka Siedenburg in ihrer Studie „Geschlechtstypisches Musiklernen“ fest, die auf einer Umfrage unter Studierenden beruht. Die von ihr befragten Studentinnen gaben an, dass vor allem ihre Instrumentallehrerinnen ihre Vorbilder waren. Wenn die aber fehlen? Wenn weibliches* Lehrpersonal an der Musikschule die Instrumente vorstellt – falls nicht vorhanden, eine fortgeschrittene Schülerin* – bringt auch das erfahrungsgemäß mehr Mädchen* dazu, sich zum Musikunterricht anzumelden. Auch wenn Rundfunk-Bigbands auf Schultour gehen, sollten sie bedenken, dass ihr Auftritt Stereotypen festigen kann; die Besetzung sollte unbedingt angepasst werden, damit Schülerinnen* auch weibliche* Role Models am Instrument erleben können (Foto: hr-Bigband auf Schultour 2020).

Auch an den Musikhochschulen muss mit mehr Mut agiert werden. Prof. Dr. Barbara Hornberger, Professorin für Didaktik der populären Musik an der Hochschule Osnabrück, erklärt in einem MELODIVA-Interview: „Aber wenn wir einen Lehrauftrag neu ausschreiben, versuchen wir erstens, Ausschreibungen sprachlich und inhaltlich so zu gestalten, dass Frauen sich eher angesprochen fühlen können – z.B. indem neben künstlerischer Exzellenz auch Teamfähigkeit gefragt ist. Und dann suchen wir Frauen, die wir gezielt zur Bewerbung auffordern. Dabei bitten wir auch unsere männlichen Kollegen um entsprechende Namen und Kontakte. Die kennen sich in ihren Fächern ja gut aus und viele von ihnen fördern Frauen sehr gern. Wenn sich dann Frauen bewerben, müssen sie sich natürlich im Verfahren durchsetzen, genau wie Männer auch, und natürlich kann es sein, dass dann dennoch ein Mann den Lehrauftrag bekommt. Aber oft bekommt ihn eben auch eine Frau, die man sonst gar nicht im Verfahren gehabt hätte. Wenn man diese Art von Diversität im Lehrpersonal haben möchte – und nicht nur Lippenbekenntnisse abgibt – muss man dafür ein bisschen mehr Aufwand betreiben. Auf diese Weise konnten wir im letzten Jahr zwei Frauen gewinnen: eine für Schlagzeug und eine für Producing“.

Aus den obigen Aussagen ist auch zu vermuten, dass sich Musikerinnen* in diesem System der öffentlich geförderten Landesjugendjazzorchester und Rundfunk-Bigbands nicht wiederfinden, gerade weil es stark wettbewerbs- und leistungsorientiert ist. Die Art des Musikmachens ist „a man’s world“, was die Regeln, Verhaltensweisen und Qualitäts-Standards angeht. Die bereits oben erwähnten Präsentation „Check Your Stereotypes“ kommt zu dem Ergebnis: „Frauen sind eher an Menschen, Lösungen für Probleme von Menschen und künstlerischen Aspekten interessiert – Männer interessieren sich hingegen für technische Lösungen, Maschinen und abstrakte Themen. Frauen arbeiten lieber interdisziplinär und haben eine größere Interessensbreite. Wird dieses breite Interesse nicht angesprochen, meiden Frauen die entsprechenden Fächer“. Interessant ist auch die unterschiedliche Bewertung von Erfolg und Misserfolg: während Männer einen Erfolg mit den eigenen Fähigkeiten in Verbindung bringen, erklären Frauen ihren Erfolg mit Anstrengung, Glück oder Einfachheit. Misserfolg wird von den Männern mit mangelnder Anstrengung oder Pech begründet, Frauen erklären ihn mit mangelnder Fähigkeit. Das erklärt vielleicht, warum sich Frauen schneller entmutigen lassen und eher unterschätzen, Männer sich eher überschätzen.

Erweitert man den Diversitätsbegriff, stellt man sicherlich fest, dass in diesen Reihen auch wenige Arbeiterkinder und Menschen mit Migrationserfahrung sitzen. Vor dem Hintergrund, dass wahrscheinlich viele Musiker in den Radioorchestern bleiben, bis sie in Rente gehen, ist das wohl auch nicht gerecht zu nennen. „Diversität hebt die künstlerische Qualität“, heißt es in der Studie des Deutschen Kulturrats „Frauen in Kultur und Medien“ (2016) – wir sollten keine Angst davor haben.

Wie seht ihr das? Wir freuen uns über Feedback, eure Meinung und weitere Antworten auf unsere Umfrage. Hier kannst Du Dir die Fragen (5-10 Min.) herunterladen, Deine Antworten schickst Du am besten per Mail.

Hinweis zur gendergerechten Sprache: * das Sternchen hinter Frauen* und Mädchen* schließt Menschen ein, die sich als Frau*/Mädchen* fühlen oder genderfluid sind; bei Musiker*innen sind alle gemeint

Autorin: Mane Stelzer

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Die Gruppe um Jacky Bastek, welche sehr kurzfristig für die erkrankte Katerina Zhukova einspringen konnte, beschäftigte sich mit der Aufgabe einen eigenen Song zu schreiben. Mit ihrem großen Erfahrungsschatz konnte Jacky die Teilnehmenden perfekt durch den Anfangs überwältigenden Aufgaben-Jungle einer Songwriterin navigieren. 

Bei Tilli Treier ging es technisch zu. Den Teilnehmenden wurde von der Pike auf die Kunst der Soundtechnik vermittelt. Egal ob Hyperniere, Humbucker oder Phantomspeisung, hier wurde jeder Fachbegriff entschlüsselt. Am Ende des Workshops konnten die Teilnehmenden die auftretenden Songwriterinnen live abmischen und das gelernte direkt in die Praxis umsetzen.

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Vor jedem Song gibt Verny ihrem Publikum eine ausführliche Einführung – wie das Stück entstanden ist, wer es geschrieben hat, worüber es handelt. Bis zur Pause performt sie acht Stücke – darunter Balladen wie „Mon Malheur“, ein Song aus ihrer Feder über Unglück, Narben und traurige Erinnerungen. Hier ist ihr Gesang im wahrsten Sinne herzzerreißend. Erchingers wütendes Klaviersolo schreit den Schmerz heraus, wird aber ganz leise, als Verny ihren Gesang wieder aufnimmt und ihre Stimme immer lauter, immer klagender wird, bis das Stück in einem Crescendo endet. Wunderschön anzuhören ist auch die Ballade „Je ferme les yeux“, ein träumerisches Lied über Kindheitserinnerungen an der Cote d’Ivoire, das Verny nur vom Klavier begleitet performt.

Nach der Pause wird es kurz politisch. Das Stück „No ID“, eine gemeinsame Komposition der Band, befasst sich mit der Flüchtlingskrise. Es ist ein wütender Song. Die Sängerin verzerrt ihre Stimme, ihr ganzer Körper singt mit und wird von dissonanten Klavier- und Bass-Klängen getragen. Ähnlich düster ist auch die Vertonung von einem William Blake Gedicht „The Garden of Love“. Dieser englische Dichter aus dem 19. Jahrhundert gehört zum Songbook des CVQ. Er ist der Lieblingspoet des Pianisten, der bereits mehrere Gedichte von ihm vertont hat. Bei diesem Stück wandert Vernys Stimme durch mehrere Oktaven, wechselt die Register wie Farben von hell und klar bis erdig und schwer. Es gibt an diesem Abend aber auch beschwingte Songs, Souliges, Funkiges und Bluesiges. Das zweite Set endet mit einem Percussion-starken Afro-Beat Stück, zu dem Cécile Verny verschiedene afrikanische Tanz-Moves hinlegt, angelehnt an westafrikanische Tänze wie Agbadja, Balafon und Sabar.

Das Publikum ist von Anfang bis Ende begeistert und verlangt natürlich nach einer Zugabe. Mit „I Heard an Angel Singing“, einem weiteren Gedicht von William Blake, endet der Abend. Das Quartett muss am nächsten Morgen früh aufstehen und zum nächsten Konzert nach Reutlingen fahren – eine Autobahnstrecke von mindestens 5 Stunden. Wo Cécile Verny noch auftritt, erfahren Sie hier. Wenn das in Ihrer Nähe ist, sollten sie unbedingt die Chance ergreifen, um diese begnadete Sängerin live zu erleben. 

Titelfoto: CSK Foto, Livefotos: Tina Adomako

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Mit den großen Flüchtlingsbewegungen 2015/2016 waren zahlreiche Geflüchtete nach Frankfurt gekommen, unter ihnen auch viele Musiker*innen. Das „Bridges – Musik verbindet“-Projekt sollte ihnen die Möglichkeit bieten, fern der Heimat wieder Musik zu machen und ihren Gedanken und Gefühlen eine Stimme zu geben. Beim ersten Konzert am 19.4.2016 brachten denn auch 70 einheimische und neu zugezogene Musiker*innen im hr-Sendesaal ein Programm aus ganz unterschiedlichen Stilrichtungen zu Gehör. 

Vorangetrieben wurde das wirkstarke, in Deutschland einzigartige Projekt von der Musikerin und künstlerischen Leiterin Johanna-Leonore Dahlhoff und der Geschäftsführerin Anke Karen Meyer. Das Ziel war es, möglichst viele verschiedene Musikinstrumente und -traditionen zusammenzubringen und transkulturell weiterzuentwicken, fern von Konventionen, wie Musik zu klingen habe, schreiben die beiden im Begleitheft zum Jubiläum. Scheinbar nicht Zusammenpassendes wird so zu etwas Neuem verwoben. Ganz praktisch sollten aber auch Beschäftigungsmöglichkeiten für die geflüchteten Musiker*innen geschaffen werden, in dem bereits 2018 eine GmbH gegründet wurde. Aus regelmäßigen Proben und Treffen entstand ein Pool von Musiker*innen und daraus 2019 ein Kammerorchester, das den Kulturförderpreis The Power Of The Arts bekam.

Corona zum Trotz nahm das Orchester 2020 sein erstes Album „Identigration“ auf und gewann damit den Preis der Deutschen Schallplattenkritik. Durch die Coronabeschränkungen entstanden neue Formate, z.B. Open-Air-Konzerte im öffentlichen Raum. Schulprojekte, in der Kinder lernen können, das Diversität eine Stärke ist, verankerten das Projekt noch mehr in der Frankfurter Stadtgesellschaft. Auch überregional wuchs die Bekanntheit, z.B. spielte das Orchester 2024 sein Debüt in der Elbphilharmonie in Hamburg, ihre Konzerte werden mittlerweile von ARTE aufgezeichnet und ausgestrahlt, und das Orchester tourt regelmäßig durch die Lande auf renommierten Bühnen. 2024 erschien das zweite Album „Complementarity“.

Jubiläumskonzert 10 Jahre BridgesBrücken 9.4.2026

Mit einem Festakt wurde die eindrucksvolle Geschichte des Projekts gefeiert. Der Frankfurter Oberbürgermeister Mike Josef sprach in seinem Grußwort von „Frankfurter Musik“, die die Vielfalt in der Stadt widerspiegele. Brücken zu bauen sei leichter gesagt, als getan, zumal wenn Menschen aus Ländern zusammenkämen, die sich im Krieg miteinander befinden. Durch Bridges sei das Ankommen in unserer Stadt für viele Geflüchtete leichter gewesen, sagte Josef, der selbst im Alter von 4 Jahren mit seiner Familie von Syrien nach Deutschland geflohen ist. Deshalb habe das Projekt 2022 zu Recht den Frankfurter Diversitäts- und Integrationspreis erhalten. 

Nach einer Ehrung der vielen am Projekt Beteiligten und einer kurzen Pause ging es endlich los mit der großartigen Musik. Das Bridges Kammerorchester, das ja ein „composing orchestra“ ist, in dem viele der beteiligten Musiker*innen das Repertoire selbst arrangieren und komponieren, präsentierte an diesem Abend zahlreiche Uraufführungen. Mehr noch: für das Jubiläumskonzert am 9.4.2026 waren im Vorfeld Komponist*innen in Teams zusammengekommen, um gemeinsam Musik eigens für dieses Konzert zu schreiben und zu arrangieren. Als Dirigentin wurde Xizi Wang gewonnen, die das Ensemble der Internationalen Ensemble Modern Akademie Frankfurt leitet und mit mehreren renommierten Klangkörpern wie dem Kammerorchester Basel, dem Lucerne Festival Contemporary Orchestra, der Jungen Deutschen Philharmonie sowie mit Ensembles wie dem Ensemble Modern, Ensemble Reflektor und Klangforum Wien arbeitet. 

Los ging es mit der Bridges-Sinfonie Nr. 2, an der acht Komponist*innen aus drei Jahrhunderten beteiligt waren. Damit schlugen die Musiker*innen eine Brücke von der persischen (Hassan Kasaee) zur europäischen Musik (Claude Debussy) hin zu einer kollektiven Komposition, in der auch der Sheng-Solist Wu Wei mitwirkte. Sein Instrument bot nicht nur eine exotische Erscheinung, sondern faszinierte auch aufgrund der Klangvielfalt, die es erzeugen kann. Die Sheng gilt als eines der ältesten chinesischen Musikinstrumente und besteht aus mehreren Bambuspfeifen, die in einer Windkapsel stecken. Man kann sie beim Ein- und Ausatmen spielen und sogar Akkorde erzeugen. Durch ihre Beschaffenheit bietet sie nahezu unbegrenzte Möglichkeiten in Bezug auf Melodie, Harmonie, Rhythmus und Polyphonie, klingt mal wie eine Panflöte, mal wie eine Melodiva oder Klarinette.

Mit „The Earth Revives“ zogen ostasiatische Klänge ein, bevor nach der Pause mit „Recuentos“ und südamerikanischen Rhythmen und Klängen ein neues Kapitel aufgeschlagen wurde. Spannend wurde es auch mit den kollektiven Kompositionen „Cycles“, „Segahmania“ und „Mipala“, die eindrucksvolle Brücken zwischen stilistisch verschiedenen Werken ausgestalteten. Als Highlight spielte das Orchster das letzte Stück „Mosaik am Main“ des syrischen Musikers Walid Khatba, bevor mehrere Zugaben für das begeisterte Publikum folgten. 

Das Konzept, Räume für einen kulturellen Austausch auf Augenhöhe zu schaffen, in denen man sich kennen-, voneinander lernen und Musik miteinander teilen kann, kann in der heutigen Zeit gar nicht hoch genug geschätzt werden. Diese Orte der Begegnung gibt es in unserer Gesellschaft viele zu wenige und Migration wird viel häufiger als Problem, denn als Chance gesehen. Leuchturmprojekte wie Bridges zeigen eindrucksvoll das gesellschaftliche, aber auch künstlerische Potenzial, das in kultureller Vielfalt liegt. Das Programm „10 Jahre BridgesBrücken“ könnt ihr noch am 11.5.2026 in der Orangerie in Darmstadt erleben.

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Fotos: Salar Baygan

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